Reseña - The Walking Dead (Frank Darabont)

La serie adaptación de obra homónima de Robert Kirkman y Tony Moore está teniendo mucho éxito televisivo. Aunque parece que algunos fans originales del cómic no están entusiasmados con esta versión. Esta reseña está centrada en la serie de televisión.

El planteamiento es sencillo, un oficial de policía llamado Rick Grimes despierta de un coma en un hospital abandonado; con este tono de la película "28 Días Después" empieza la aventura de este hombre en busca de su familia.

Es una serie realista en cuanto a que tiende en centrarse en la psicología de los supervivientes que Rick irá encontrando, aunque esto es algo en lo que se insiste más en la segunda temporada. Existe cierto equilibrio narrativo entre ambas temporadas en cuanto a que la primera goza de más acción y la segunda como he dicho, se centra bastante en los personajes. Pero no me parece un equilibrio estable ya que algunas partes de la segunda se hacen demasiado densas.

Aquí entro en contacto con el cómic, que es capaz de ser muy épico sin renunciar al trasfondo. Realmente son historias muy similares, pero para tener una visión más completa de la idea de "The Walking Dead" recomiendo leer el cómic.

Cuando se plantea una historia de zombies se parte normalmente de un personaje, y aquí quiero considerar la importancia de saber llevar personajes secundarios, creo que esto en la serie de TV está bastante bien logrado a partir de la segunda temporada. De hecho, las interpretaciones de algunos secundarios me gustan mucho más, se hacen más palpables y realistas que las de un actor (protagonista) tan poco expresivo como es Andrew Lincoln.

Cuando se desarrolla la reproducción social de la serie se parte de unos personajes planos, aunque con la idea de ofrecer variedad creo que no se ha caído (todo lo que se puede caer) en demasiados estereotipos. Los personajes que ahora mismo más me interesa ver en desarrollo son: Shane, Glenn y Maggie (mujer que entra un poco en contraposición de ciertos estereotipos machistas que refleja la sociedad patriarcal en la serie).

En cuanto a actores, los que creo que están haciendo un mejor papel son Lauren Cohan y Scott Wilson, ambos recientes. En resumen, es una serie que recomiendo si te puedes adaptar a un ritmo lento y estás dispuesto a pasar por alto ciertos errores hasta avanzar en la segunda temporada y conseguir engancharte; si juntasen lo que han hecho bien en cada una de las dos que han emitido, realmente sería una serie digna de reconocimiento, ahora mismo queda esperar a ver como evoluciona tanto el guión como los personajes y la acción.

Esta serie la emite AMC y en España se encarga laSexta.

Reseña - Afro Samurai (Estudio Gonzo)

Afro Samurai es una serie de animación japonesa que consta de 5 episodios tipo OVA . La historia "completa" incluye una película llamada Afro Samurai Resurrection.


Esta serie nos situa en un mundo feudal (aparentemente inventado) en el que se mezclan diferentes estéticas y culturas: japón medieval, afro, futurista, hip-hop, el oeste americano, etc. La historia es sobre un niño que ve morir a su padre a manos de un tipo llamado Justice. Este mismo le ofrece venganza cuando esté preparado, así pues el Afro-Samurai dedicará su vida a encontrar y matar a Justice (efrentándose a miles de enemigos que entran en la violenta trama).

Es una serie donde se entremezclan y son importantes las ideas sobre el honor, la violencia, la tristeza y la justicia. Por lo tanto podríamos decir que es una serie que ofrece una visión de la vida dura y "seca". El hecho de que la serie se centre en la figura de Afro (nombre abreviado de Afrosamurai que usan en la misma serie) constantemente la hace un poco lenta, ya que es un personaje callado y frío que sólo piensa en una cosa: venganza. Sin embargo, al tratarse solamente de 5 OVAs (más película), se hace suficientemente entretenida como para disfrutarla tanto en las escenas de acción (efectos de animación muy trabajados) como en los momentos silenciosos que describen la atmósfera o a los personajes.


A Afro le acompaña su mejor amigo, un rapero con el pelo como él, pero blanquecino. En contraposición al carácter de Afro, este personaje es mucho más vivaz y optimista, y le da consejos (y chistes varios) durante su aventura de sangre y muerte. Los perfiles psicológicos de algunos personajes (principalmente de Afro) irán cambiando a lo largo de la historia, sobretodo en el transcurso de la película, que para lo que ofrece y sabiendo que la serie son sólo 5 capítulos, es de vista casi obligatoria.



El personaje original fue creado por el mangaka Takashi Okazaki, y el doblaje de la serie cuenta con actores como Samuel L. Jackson (que da voz a Afro, y dicho sea de paso, es el productor ejecutivo de la serie). Es una serie que recomiendo a aquellos que les guste el anime violento y salvaje, Afro es un auténtico maestro de la espada y no os defraudará (por lo menos en cuanto a escenas de duelos y batallas), y si además buscáis un mensaje crítico con la crueldad del ser humano disfrutareis esta serie un poquito más.

Reseña - Balada triste de trompeta (Alex de la Iglesia, 2010)

Hoy he disfrutado de esta producción española en la facultad de ciencias de la información, tengo que decir que he salido maravillado. (Aviso, puede que esta reseña contenga ciertos detalles sobre el desarrollo o final de la misma, he intentado que no fuese así pero no puedo asegurar que el leer esta reseña antes de verla influya en la predictibilidad de algunos hechos).


Balada triste de trompeta puede decirse que es una película que trata sobre muchas cosas, se puede ver como: un drama en general, una película histórica sobre la guerra y el franquismo, una película triste sobre el amor, una película con un diseño y estética muy trabajados o simplemente, una película que trata sobre la existencialidad del hombre.

La habilidad de guión y dirección de Alex de la Iglesia a la hora de transmitirnos como es el hombre auténtico es sublime. Javier (Carlos Areces, el payaso triste), representa al ser humano como es en el fondo, o que (como según que filósofos), debería ser. Podemos observar las similitudes de su comportamiento con un niño, un niño inocente y puro que vive en un mundo sin sentido, donde nadie es quien dice ser y todos bailamos al son del egoísmo y la hipocresía para llamarnos a nosotros mismos adultos. No puedo asegurar que fuese la verdadera intención de Alex de la Iglesia, pero esta película me transmite ese choque y confrontación entre el ser humano puro del que hablaba (el niño) y la sociedad, que le ata con un yugo a un mundo en el que la razón sirve para corrompernos y crear auténticos monstruos.

La evolución del personaje de Javier alcanza su punto álgido cuando conecta con la realidad, cuando se da cuenta de que tiene que ser un adulto para conservar lo que quiere, eso es lo que destruye su pureza, porque se integra en esta sociedad, es el asesino que todos llevamos dentro, más despierto de lo que pensamos que está. Después de eso la locura es inevitable, y la película cada vez va tomando un tono aún más oscuro, para poder llegar a un final con una potencia dramática imparable.

Hay posicionamientos filosóficos en la película bastante importantes, yo distinguiría dos. Por un lado el determinismo más absoluto (esto se ve en escenas como: el principio, los milicianos se llevan a gente al frente; el encarcelamiento del padre de Javier por parte de los franquistas; el franquismo en sí; el mundo del circo; la filosofía que surge de padre e hijo cuando el padre le dice a Javier que él no puede ser payaso feliz, que deberá ser payaso triste; un final apoteósico que aunque encaja excepcionalmente con el guión aunque sigue siendo algo imprevisible; la vida que Javier está obligado a llevar, el estar obligado a vivir en una sociedad y perder la humanidad absoluta de los niños). Todo esto en cuanto al determinismo, en cuanto al relativismo moral entramos en el tema del choque entre nuestra sociedad (el mundo material, real) y el mundo natural de los seres vivos. Esto ocurre cerca del final cuando la gente por la calle se siente suficientemente poderosa con su lógica y moralidad social como para apuntar a un payaso armado y llamarle (o poder pensar libremente que está) loco. Este relativismo nos hace pensar, no veremos una de esas (tantísimas) chorradas simplonas que nos dirán qué está bien y qué esta mal, esta película nos brindará la posibilidad de pensar por nosotros mismos, hasta que punto algo se justifica o no, o simplemente ¿quién es el loco? ¿El payaso armado gritando en busca de venganza o nuestra sociedad llena de hipócritas?

También se podría sacar el tono crítico de la película con la política, pero me gusta la idea de que sin incidir directamente en temas políticos, se puedan dejar claras algunas ideas sobre la guerra civil y el franquismo. En esto no me recuerda a otras tantas películas españolas que han tratado estos temas, además las técnicas de luz empleadas, el argumento y otras técnicas cinematográficas hacen que se vea la cruda y innegable realidad a través de una especie de carpa, la estética del circo (de la que hago una anotación más abajo) le da un aire de mínima fantasía o incluso ciencia ficción, pero a modo de metáfora; en una de las películas, como decía, más reales que he visto en mucho tiempo.

Otras ideas de coloquio que me ha parecido interesante respecto al tema de la política es la escena del elefante, por un lado la relación payaso - niños como si fuese político - pueblo; y la hipocresía que existe en el mundo real, donde los payasos que hacen reír a la gente tienen una intimidad brutalmente diferente.

La película presenta una estructura perfectamente planificada, las piezas encajan muy rápido, y eso le da cierta velocidad, aunque es una película para pensar, no para entretener. Es además una película violenta y cruel, y si eso echa para atrás a algunos espectadores, yo les animaría igualmente a verla, porque detrás de esa violencia se esconden conceptos realmente importantes de entender, esta película está hecha por auténticos artistas, se puede notar que no habla su cerebro, (si me permitís el misticismo) habla el alma.

En cuanto a interpretaciones, diría que por lo general están todas muy logradas, y dejando a un lado los personajes cómicos (que son lo que más la acercan al público como entretenimiento), destacaría sobretodo las interpretaciones de los dos payasos (Carlos Areces y Antonio de la Torre). Cuando actúan juntos son capaces de poner la piel de punta, Antonio (haciendo de Sergio, el payaso tonto) con la tensión que infunde desde un principio, consigue transmitir terror con pocas líneas, avecinado un personaje cada vez más detestable; y Carlos Areces transmite junto a él el miedo del niño que no entiende el mundo que le rodea y le sigue el juego a los demás por no sentirse rechazado, aunque es la persona más auténtica del circo de la sociedad.

He encontrado en la película ciertas similitudes con el Joker de Tim Burton, y la estética de locura (con violencia, sangre y balas dentro del teatro de la sociedad) me trajo a la mente de forma breve al videojuego Bioshock. Muchos efectos de luz, es una película llena de contrastes que puede que a la gente no le gusten demasiado, pero le da más sentido a la trama, y para mi gusto los juegos con los focos, su intensidad y las sombras es perfecto. Por otro lado, puede que las referencias históricas que hace la película gusten o no, pero no dejan indiferente a nadie, ya que son bastante espectaculares e impredecibles. Es uno de los motivos por los que veo tanto trabajo con el guión.


Por lo general es una película muy interesante, la recomiendo encarecidamente a todos los niveles, es una verdadera lástima que no ganase más premios, porque se lo merece.

Reseña - Scott Pilgrim contra El Mundo (Edgar Wright, 2010)

Recientemente he tenido la oportunidad de ver esta gran película, Edgar Wright sigue sin defraudarnos ni como director ni como guionista.


Scott Pilgrim es una comedia romántica con un humor generacional increiblemente "geek" o friki y toques de acción con excelentes efectos especiales. Está basada en los cómics de Scott Pilgrim de Bryan Lee O'Malley.


La historia trata fundamentalmente sobre Scott Pilgrim, un chico canadiense de 22 años que se enamora de una chica americana llamada Ramona Flowers. Pronto se le plantea un gran problema en su relación, y es que para poder estar con ella tiene que "derrotar" a los siete malvados ex-novios de esta. En ese momento durante la película se sigue desarrollando la trama emocional personal entre los dos personajes a la par con toda la acción de las batallas que Scott Pilgrim libra contra los 7 ex-novios, utilizando artes marciales, ingenio, la música e incluso katanas.


La ambientación y estética de la película se ve predominada por dos tendencias culturales principales: lo "retro" y lo "indie". En cuanto a lo retro, la realidad que vive Scott Pilgrim y sus peleas se ven rodeadas de píxeles, gráficos de videojuegos, y las clásicas melodías de los mismos. En cuanto a lo indie, la película está plagada a referencias generacionales de los jóvenes de los 90 y 2000, la ropa y los grupos musicales amateur, los cuales forman una banda sonora realmente buena. A parte otro aspecto destacable de la ambientación desde su sutilidad es la inclusión de onomatopeyas tipo cómic en algunas escenas para recordar a los lectores del original su estilo, además de la inclusión de escenas dibujadas en determinados flashbacks. Otro detalle en referencia a los cómics y al estilo de Edgar Wright es el anclaje entre escenas de forma constante mediante sueños y conversaciones cruzadas en sitios y momentos diferentes.


En cuanto a los actores en general podemos hablar de una multitud variada de jóvenes con cierto talento. Todos los personajes dentro de su homogeneidad generacional tienen unos rasgos muy marcados individualmente, los cuales los hacen tener una personalidad tópica pero abrumadura que consigue un humor mucho más absurdo y delirante. Destacaría cuatro interpretaciones, a parte de Michael Sera como Scott Pilgrim y Mary Elizabeth Winstead como Ramona Flowers; mencionaría a Kieran Culkin como Wallace Wells (amigo gay de Scott, compañero de piso) y a Jason Schwartzman como principal enemigo de Scott (uno de los actores más "veteranos" de la película y actualmente muy conocido por su papel como protagonista en la serie de TV "Bored to Death").



Como último tema sobre la película mencionaría la importante evolución personal y madurez progresiva del personaje de Scott. Si bien es algo que no se ve en la película hasta en un momento determinado, espero que en los cómics (pendientes de lectura) sea algo que se vea más progresivamente desde un principio. Aunque esta "no es más que" una comedia romántica friki, lo que verdareramente da fuerza al guión (como una sucesión lógica de hechos creibles basados en la vida emocional de un adolescente que con 22 años sigue sin ser adulto) es esta evolución personal de Scott, que consigue ser verdaderamente poderoso en su vida cuando madura emocionalmente.


Una película generacional, con un humor deslumbrante (aunque cerrado dada su dedicación a un público bastante joven), que en mi opinión es una vista obligatoria (sobretodo para todos aquellos a los que les gusten y hayan crecido/vivido rodeados de cómics y videojuegos).

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=2jYWFb7NVrI

Reseña - Mallrats (Kevin Smith, 1995)

Saludos, hoy voy a hacer una pequeña reseña sobre esta película de la obra de Kevin Smith.
Mallrats es una película de culto dentro de las películas generacionales y forma parte de la filmografía de Kevin Smith (guionista y director de Clerks, Dogma, Persiguiendo a Amy, etc.)

Es una película que no requiere de grandes presupuestos, sino de actores que sean capaces de meter al espectador en esa nube de humor y guiños generacionales, televisivos y referentes al mundo del comic.

Esta película no tuvo el éxito esperado tras "Clerks", (ya que plantea situaciones cotidianas muy similares, pero cambiando el escenario de la tienda por un centro comercial); la crítica en EEUU fue dura, pero a pesar de ello es una gran película.


El argumento es básicamente el siguiente: Broodie (Jason Lee) y T.S. (Jeremy London) son amigos a los que sus respectivas novias dejan el mismo día. Deprimidos deciden ir al centro comercial a pasar el día, allí empiezan a aparecer distintos personajes que retuercen la cotidianidad del día lo suficiente como para acabar haciendo de la película un festival de humor. Para enfrentarse a todos los problemas que se les planteen ese sngualr día, contarán con la ayuda de Jay (Jason Mewes) y Bob el Silencioso (Kevin Smith), dos traficantes de Marihuana que cometen las mayores locuras en su tiempo libre (esta simpática pareja aparece en muchas otras películas de Kevin Smith).

Entre el reparto además aparecen entre otros: Ben Affleck, Shannen Doherty y Claire Forlani. Además, como invitado especial aparece Stan Lee (dibujante, guionista y padre de la industria Marvel de comic), haciendo de sí mismo.


La película deja un sabor de boca fresco y agradable, su humor inteligente y sus bien pensados diálogos consiguen esbozar sonrisas y alguna que otra carcajada en el espectado. Aunque en comparación con Jay y Bob el Silencioso Contraatacan o Clerks II es una película un poco lenta; con su aire canalla, juvenil y desenfrenado, no te dejará indiferente.


Os dejo con el trailer original en inglés: http://www.youtube.com/watch?v=_eVo7aBze1w

Y añado el video musical de la película que dirigió Kevin Smith como promoción: